今年に入って私が作った立体作品です。

去年の７月に「片桐裕司彫刻セミナー」で立体を少しかじり、
今年に入って３月下旬に経験者クラスに参加。
その前後で作って来た人体です。

時系列に並んでいて左の方が過去になります。
一番左のスカル（頭骨）が３月はじめ。
男性胸像は３月中旬。

３月下旬の彫刻セミナーで真ん中の全身像を制作。

４月に入って、右側の女性の胸像と男性の顔を作りました。

上から見たところ。

去年の作品はこれですが、実はこれには片桐さんの神の手がかなり入っています。

これは既に粘土に戻してしまいました。

さて、今ネットを見れば、人体デッサンの描き方ハウツーサイトが
たくさんあります。
漫画やアニメの人間を描くにはデッサンが重要、
であると信じられているからです。

もちろんデッサンは重要です。
ただし、それは、実物を見て、という話だと思っていました。
ところが漫画やアニメの場合は、ハウツーがあって
それをもとに描くのですね。

ところで、先月東京都美術館で「若冲展」が開かれ大混雑の人気ぶりでした。
実は若冲のあの迫真の絵は「実物」を見ることなしには
成し遂げられませんでした。

若冲は絵を始めた当初、模写を恐ろしい数を描いたそうですが
絵を真似ている間は絵を越えられない、と気づき、
鶏を買って来て庭に放ち３ヶ月間観察したのち
ようやく絵筆を握った、と言います。

私が３１１以降、長い休眠のあと絵を再開した時、
とにかくブランクを埋めるには急がば回れだと思い、
「実物を見てのデッサン」に励んだのも、
この若冲の鶏を庭に放ってひたすら見る行為、
に通じるものです。

漫画家の手塚治虫も「絵から絵を描いてはいけない」
と言っています。
彼はまた、写真から描くこともやめた方がいい、と書いてます。

しかし、人物は、本物のモデルを雇うのは大変です。
といっても、実物や立体を見ないと分らないことはある。
ハウツーのサイトを見ると、上手に描いているけれど、
実物を見ていない人の描くものは小手先の作業、という感じが拭えない。

出来ることなら見ないで人物も描けるようになりたいものだし、
と思って美術解剖学で骨格を学びなおしたり、
確認の為にクロッキー会に参加したり。

そんな風にあれこれやっていた時、
ジェームス・ガーニーというイラストレーターのこの本を知りました。

ガーニーは空想の動物や建物を描く時にマケット（小さな立体）を作って
光の具合などを確認するのだそうです。
本にはかれの作ったマケットも掲載されていて、
「こういう方法があるのか！」と、私は目からウロコでした。
ガーニーも言っていますが、誰でも見たことの無いものは描けないのです。

そこで私も立体でモデルを作る練習を始めました。
しかし立体作りは分からないことだらけ。
大学の授業でやったのは遥か昔。
材料もよく分からない。
最近は樹脂系の粘土があることはネットで調べたら分って来た。
そこで去年の７月片桐セミナーに参加し概要を掴み、
今年に入ってから自分で本格的に作り始めました。

とにかく
最初は四苦八苦。当たり前ですが、最初に作ったスカルは
片桐さんの本では６時間を目安に、と書かれているのに
とんでもなくて３０時間くらいかかってしまいました。

しかし、あれ不思議、二作目の男性の胸像はほぼ丸一日１２時間くらいで完成。

そしてこの胸像を作っている時に、
立体の見方や作り方のコツのが掴めた気がしました。

そこで、３月の経験者クラスでは全身像に挑戦。
顔の部分などは家に帰ってから手を入れましたが
人間のモデルを作れる感触はしっかり把握。

右側の女性の胸像は、エミリー・ブラウニングをモデルにしたもので
これはほぼ６時間くらいで作りました。

右下の男性の顔は、パートナーがモデルです。
これは顔の部分だけなので、隙間時間を見つけていじっていたら出来てしまいました。

いま人間を描いていて、何か分らないことがあるときは
これらのモデルを見て確認しています。

想像で描くには限界がある。
そんな時３Dのモデルが側にあることはとても助けになります。

おまけに、立体像を造ることもとても楽しい。
楽しいことは続く。
続く限り上達する。

今は猫が頭をかいているポーズを隙間時間に作っています。

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画材の話しをしましょう。
今日は誰にでもなじみのある画材、鉛筆です。

参考文献はこちら。

三菱UNiで有名な三菱鉛筆の鉛筆のサイトも参考になるでしょう。
<えんぴつの歴史>が載っていて興味深い。

これは、３１１以降私と一緒に、スケッチにエスキースにと、走って来てくれた鉛筆たち。短くなっても、ホルダーをつけて５センチくらいになるまで使います。

５センチまでは、なんとか使えるけど、さすがに４センチになると難しい。

供養して労をいたわってあげたい。

鉛筆は「鉛」とついているけど、
芯は黒鉛という炭素と粘土で出来ています。

三菱鉛筆のサイトから<えんぴつの歴史>を引用します。

森田恒之氏の本の103ページから鉛筆の項で、それによると、
現在の板にはさんだ形状を考案したのがイギリス、
そして、芯の改良に取り組んだのがフランス、ということみたいです。

イギリスで考案された板にはさんだ鉛筆は「アイデア商品」として
江戸時代にオランダを通して日本にも到来。
「木筆」として珍重されたとか。

画材で「コンテ」という場合は、四角いパステルのような
触ると手につくものです。
前出のニコラス（ニコラとも言うらしい）コンテさんが、1795年に特許申請。
黒鉛は自然のままでは雑物があってすべらかに描けないものを
工夫してスムースに描けるようにしたのだそうです。

それを先の鉛筆の形状にしたものが、今使っているもの、
ということですね。

この鉛筆に飛びついた画家が、ダヴィッドや、アングル。
自分もバイオリンを弾いたと言うアングルの描いたパガニーニの肖像は、鉛筆でこそなし得たものだったのかもしれません。

さて、カスパー・ファーバーが基礎を作ったファーバーカステル（ Faber-Castell）社の色鉛筆も、コンテさんが作ったコンテ社のコンテも、現在私も使っています。

前者はわりと柔らかくてしっとりとした描き味。

後者のコンテ鉛筆は、本当に真っ黒の線がかけます。鉛筆は面積を塗ると、どうしても光ってしまうのだけれど、コンテ社のコンテ鉛筆は真っ黒です。

上２枚の写真の水色の鉛筆は、ドイツのステッドラー社製。
何が良いかっていうと、水色のボディ−が目だって、
すぐ見つかる点。
特に野外では、地面に鉛筆類を落すと探すのが大変だけど、
このステッドラーのターコイズ色は、すぐ見つかります。

今、家の中をプチ断捨離、制作プチサバティカル中。
自分の部屋も家の中も片づいて、
秋風が吹き出したら、またこの鉛筆たちと一緒に、
スケッチの日々です。

それから、セルフマガジンでお仕事の営業しなくっちゃ、です。

この度、ウェブ制作会社のサイトで、マダムかよこをご紹介頂きました。
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上記制作会社の作製による私の絵が使われたサイトがオープンしました。
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昨日の午後、数年ぶりにヌードクロッキーのデッサン会へ行ってきました。
あまりに久しぶりなので、描けるかな、とドキドキ。

しかし、心配無用でした。
むしろ意外なことが起きたのです。
以前は見えなかったものが見えて来たのです。

これは５分間ポーズで描いたもの。
色のついた紙に、白いコンテで骨格と筋肉を捉え、
鉛筆で二次元の境界線、つまり線描を入れました。

そして面白いことに、以前見えて来なかった、肩甲骨や背骨や骨盤が
皮膚の上からぼんやりと見えて来たのです。

なぜならば、このところ時間を見つけては人間の骨格を
紙に描いて再現していたからだと思われます。
ボチボチやっていたら頭に入っていたのでしょう。

まさに
「見えないものが見えて来る」感覚を味わったのです。

人体デッサンは若い頃からやっているし、
人体の骨格だって知らないわけではなかった。

しかし、
見て描いて、心でデッサンする
で記事にしたように、見ないで描く練習を時間を見つけてはやっています。
そうやって実際に紙に再現して描いていたことが、とても効果があったのだと思われます。
特に人間のヌードは、骨や筋肉が複雑に絡んでいますから。
頭で考えたことを紙に描いて再現する座学と、
モデルさんを前にして描く実践の両方が必要なことを痛感しました。

頭と体を繋げること。
それが出来た時、見えないものが見えて来るのでしょう。

私が使っている美術解剖学の本です。

＜関連記事＞
見て描いて、心でデッサンする

同時代のアーティストの紹介、
現在、個展と長野の高遠美術館での企画展の両方に出品されている
ムカイヤマ達也さんです。
今日、個展『黒箱を信じる』展 を見て来ましたのでご紹介します。

↑会場の様子　ご本人に撮影して頂きました。

『黒箱を信じる』展　2015年5月20日〜6月12日 A・Corns Gallery

『高遠エフェクト』　2015年5月28日〜7月12日　信州高遠美術館

ムカイヤマさんの仕事は、
絵具がチューブから出たままの美しさを最大限に活かしています。
パレット上でほとんど混色されていないので、
油彩の透明感がストレートに出て、とにかく色が美しい。

そして、カラフルなのに浮ついていないのは、
描写する対象を自分で作り上げ、
さらにそれをキャンバスに描き上げる、
という二重の作業が作品の根底にあるからでしょう。

しかも、キャンパスに描いて行くときも
モチーフの立体性や空間性を意識して
スピード感を生かせるように、
緻密に細かいマスキングを施すのです。

この「マスキング」という技法、
非常に面倒なのですが、実は私もかなり多用します。

鳥の羽を描くようになった時、
全体では塊なのに、羽一枚一枚がミクロの薄さで独立して動くために
羽と羽の間に空気があって、
その空気感を出す方法としてマスキングにたどり着きました。

ムカイヤマさんのメインの作品は
１００号（162センチ×130センチ）で、マスキングには相当の時間がかかるはず。
（というのも私が５０号の作品でやった時は、特段に細かかかったのだけれど、
一日７時間やって１０日くらいかかりました。）
しかも乾きの遅い油彩では、待つ時間が長くなり、
でも、その抑えた待ちの時間があるからこそ
一気に絵具が置かれ、独特の躍動感と立体感が生まれるのでしょう。

ムカイヤマさんは店舗の壁画なども手がけておられて
壁をつくる左官屋さんからも様々な技術のヒントをもらったそうです。
筆を使わない独特のタッチは、そういう職人さんたちとの
横断的な交流から生まれて来たようです。

で、今日は、そのマスキングの話しと、壁に絵を描くことについて話しに花が咲き、
ミケランジェロのシスティーナ礼拝堂の話しにまで及びました。

そして、話しているうちに私も壁に絵を描きたい！って強烈に欲求が芽生えて来たのにはビックリ。

さて、高遠美術館の企画展の方は、
お仲間と企画を持ち込んだら採用されたそうで、
アーティスト自身がキュレーション的な感覚を持つことが
現在とても重要になって来ていて、ドンドン実行されていてすごいです。

私は、『黒箱を信じる』というなぞの言葉を残したまま、
エネルギーいっぱいもらって帰ってきました。
（写真に写っているのが黒箱です）

個展の方は、平日の１０時から１７時（１８時くらいまでは大丈夫みたいだけど）だけのオープン
というのがお勤めしている方には少し残念かもです。

さて、色彩について書きましたが、なぜ混色しないと色がピュアなのか、
色彩に関しては以下の本がお薦め。

また、現代美術について本を読んでみたい方には以下の本を薦めます。

さらに、キュレーションに関しては最近出たこの本が分かりやすいです。